miércoles, 3 de noviembre de 2021

📚¡Mis Lecturas del Verano!📚// 💫WRAP UP 2021 💫

MIS LECTURAS DEL VERANO

Buenos días gentecilla lectora. Hoy os traigo un nuevo video al canal después de unas cuantas semanas de parón. No quería dejaros sin mi Wrap Up de este verano, a pesar de estar ya en pleno otoño. La verdad es que prioricé más la calidad que la cantidad y eso me llevó a disfrutar un montón estas lecturas. Mil gracias por todo vuestro apoyo siempre.


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jueves, 28 de octubre de 2021

Reseña de "Enseñando a nada a la mujer casada" de Juan Carlos Friebre.


Enseñando a nadar a la mujer casada es un poemario, profundo y ampliamente documentado, sobre los castigos y penas que se les han impuesto a las mujeres por el simple hecho de buscar su libertad. Un recordatorio doloroso sobre la historia viva que nos precede, y que sigue aún vigente en el peso de los nombres de las mujeres que lucharon (aún sin quererlo) por sus derechos.

El propio título de la obra es ya un anticipo sobre lo que se va a desarrollar a lo largo de la obra, puesto que proviene de una antigua ley mesopotámica sobre el adulterio (siempre siendo la mujer la adultera y quien debía pagar el precio, siendo real o no el acto) que se ejercía lanzando a las adulteras a las aguas del río para morir ahogadas. Esta será la clave para comprender la obra, puesto que es un viaje entre el pasado y el presente, sobre lo que conlleva desafiar a la autoridad impuesta por el poder. Tradicionalmente ejercida por el hombre.

Aquí tenemos a varias mujeres famosas en la historia, cuya vida fue terminada por la mano de la opresión, y por el intento de acabar con su libertad: Margarita Porete, Juana de Arco, Mariana de Pineda Muñoz, Aisha Ibrahim Duhulow. Elemento común entre ellas, que le da una mayor unión con respecto a la estructura del poemario. El cual se divide en una serie de categorías que engloban la historia de cada una de ellas, rota solamente, por una historia que se nos cuenta desde el presente de carácter más detectivesco sobre el asesinato de una mujer a manos de su pareja.

Es una obra que habla sobre la inocencia, sobre la incapacidad de defenderse ante las injusticias que se cometen, sobre la lealtad a uno mismo, a la defensa de una vida justa y única. Es una puesta en escena, un recordatorio y una verdad gritada a voz en grito.

En lo personal me ha marcado y hecho sentir cada una de las escenas que se narrar, todas y cada una de las alusiones que aquí existen. Todas las verdades calladas que se poetizan en este poemario, se me han quedado profundamente grabados en el corazón. Un poemario que volveré a releer una y otra vez, para así comprender todas las aristas que se esconden en los versos de Juan Carlos Friebe.

Le doy las gracias al autor por nuestra charla aquel día que nos firmó a @ y a mí este pedazo de libro. Sin duda ya tiene dos fieles lectores. 


jueves, 21 de octubre de 2021

La Sección: Mujeres en el fascismo español" de Jessica Belda y Ruth Sánchez.


 🍁 ¡Buenas tardes lectores! 🍁


💫 ¿Os gusta el teatro? ¿Soléis leer mucho de este género o sois más de ir a verlo en persona? 💫


 Hoy os traigo la primera reseña de los libros que compré en la Feria del Libro 🥰📚❤ ¡La verdad es que ha sido todo un descubrimiento! Fue una recomendación y un regalo de @samuel_icaro_17 (Instagram), por lo que se ha convertido en una lectura muy importante para mí.

⚜ "La Sección: Mujeres en el fascismo español" de Jessica Belda y Ruth Sánchez. ⚜

Esta obra teatral nos muestra, una vez más, el lugar al que ha sido relegada la figura de la mujer en la historia. Tantas veces silenciadas y opacadas, tantas veces ignoradas y vapuleadas.

Dejando a flor de piel la dura realidad tras la dictadura fascista en España como trasfondo principal. Teniendo como protagonistas a mujeres que ejercieron la represión hacia su mismo género, por medio de los dogmas falangistas de la época: Pilar Primo de Rivera, Mercedes Sanz de Bachiller y Carmen Polo.

Esta obra ofrece un punto de vista nuevo y rompedor, que amarga al lector por la cruda realidad que transmite. Cuyo tema principal será: la mujer como símbolo tradicional de familia, y por tanto, perpetuadora de la patria, la educación, la maternidad y hogar.

Una critica mordaz a los acontecimientos históricos que nos preceden. Sin los cuales nos sería imposible comprender el lugar que actualmente ocupamos las mujeres en la sociedad. Una obra dura, clara y arrolladora en todos los sentidos.

5🌟/5🌟

martes, 12 de octubre de 2021

Reseña: "Fábulas y leyendas de Japón".

 🍁 ¡Buenas tardes lectores! 🍁

💫 ¿Os gustan los cuentos y las leyendas populares? ¿Tenéis curiosidad sobre este tema? 💫

❤📚❤  Feliz lunes a todos ❤📚❤ 

 Hoy os traigo la reseña del último libro que me sacó una sonrisa y que me ha ayudado a comprender de una manera más profunda el folclore que inunda la cultura japonesa. 



⚜ Fábulas y leyendas de Japón de Yei Theodora Ozaki ⚜

🔸️Es un recopilatorio que engloba los cuentos, los mitos y las fábulas más conocidas de Japón. Con un total de veintidós historias, nos hace un recorrido por los nombres más reconocidos del folclore nipón: desde “El cortador de Bambú y la niña de la luna” hasta “Momotaro, o la historia del hijo de un melocotón”. Todas sus historias tienen como objetivo explicar tradiciones, orígenes y enseñanzas populares a quienes las escuchan. Puesto que desde un principio sus historias fueron contadas de boca en boca, para luego ser recopiladas y conservadas en papel. 

🔸️Nos enseña la necesidad de convivir en armonía (de la mano de alguna que otra madrastra mala o vecino avaricioso), de no fiarte de desconocidos (aun menos si se trata de un mono) y de que las buenas acciones son recompensadas tanto como se castiga las malas. 

🔸️Ha sido toda una experiencia, no ha habido emoción que no haya sentido ni historia que olvide después de leer este libro. Mis favoritas han sido todas aquellas protagonizadas por doncellas, ancianos, dragones y animales. Pues, al fin y al cabo, me han recordado a los cuentos de mi niñez, pero al mismo tiempo, se me han asemejado historias totalmente nuevas y originales. 

💫 ¿Os ha llamado la atención? ¿Le daríais una oportunidad? 💫

miércoles, 21 de julio de 2021

Análisis de "Sorgo Rojo" de Mo Yan:

*NOTA: Todos los Análisis Literarios que reseñare en el blog no están exentos de  spoilers de forma inevitable. Con el fin de entender en profundidad y reflexionar sobre la obra es necesario destripar acciones, personajes y tramas con el fin de llegar a tender la obra de una forma muchos más detenida.* 

 



Mo Yan (莫言) es el seudónimo de Guan Moye, uno de los autores más representativos de la literatura contemporánea china y ganador del Premio Nobel de Literatura (2012). Dicho seudónimo significa «no hables», siendo este un juego de palabras con el que el escritor juega al hacer un paralelismo con su oficio. Nació en 1955 dentro de una familia humilde de granjeros en la región de Gaomi Noreste, en la provincia de Shandong. Lugar en el que se desarrolla su novela histórica más representativa: Sorgo rojo. Publicada en 1986, narra la historia de una familia de tres generaciones – el abuelo, el padre y el hijo, quien ejerce como narrador testimonial dentro de la historia–, una novela histórica ambientada en la China rural durante los años de la invasión japonesa (1937-1945).

El autor se considera a sí mismo como un narrador de la vida, al más puro estilo tradicional, casi como un cuentacuentos. Al menos, así se autodefine él mismo el 7 de diciembre de 2012 en su discurso para el Premio Nobel[1]. «Como dice un refrán chino: es fácil cambiar de dinastía, es difícil modificar la personalidad, y aunque mis padres me habían educado con mucho cuidado, no consiguieron cambiar el hecho de que a mí me gustara hablar. Esto le había dado un sentido irónico a mi nombre Mo Yan que significa, no hables» (Mo Yan, 2012: 4).



Mo Yan es un perfecto conocedor de la tradición, cuyas historias han sido transmitidas de boca en boca por generaciones, y que ahora él da forma a través de sus novelas. Siendo Sorgo rojo el mejor y más puro ejemplo de esta forma de asumir la tradición a la hora de escribir sobre su pueblo natal y sus gentes. Representados por el ambiente rural, la brutalidad y la planta de sorgo que alimenta y da vida a la región. Mo Yan se diferencia del resto de escritores por su forma de asumir lo literario, como lugar de crítica social, dejando entrever mediante los detalles, más que por la acción en sí, la intención de sus obras. Sabiendo esto podemos saber que la planta de sorgo es el nexo de unión entre sus protagonistas, ya no sólo como un elemento más en el ambiente o como escenario, sino, incluso, como un elemento decisivo entre la vida y la muerte. Temas principales en los que se hunde y reflexiona esta obra tan compleja. Puesto que el tiempo puede pasar, pero la tierra, el río Negro o las plantaciones de sorgo siguen ahí, impertérritas.

Mo Yan tuvo que dejar sus estudios escolares para trabajar en el campo durante la Gran Revolución Cultural, para entrar más adelante, al servicio del ejército de liberación popular, donde comenzó a escribir. Servir en el ejército era la única manera de que un niño cómo él, de una familia pobre y humilde, pudiera acceder a una educación superior. Finalmente acabó estudiando en la Escuela de Arte y Literatura del Ejercito, para luego pasar a cursar una Maestría en la Universidad de Beijing.



Publicó su primera novela en 1981, Lluvia en una noche de primavera, pero su debut como escritor no comenzó hasta la publicación de Sorgo rojo (1987). Más tarde, en la época de los ochenta y con la apertura de China, el escritor pudo enriquecerse en la lectura de nuevas técnicas literarias de índole más occidental. Se inspiró en escritores cómo Gabriel García Márquez, cuya influencia es muy significativa en su obra Sorgo rojo, o William Faulkner. La clave de su éxito estuvo en la conservación de los estilos más tradicionales de la cultura china, pero, trabajándola desde las técnicas estilísticas adquiridas de Occidente. Esto le dio la capacidad de ahondar de una forma novedosa en las raíces de su cultura, y a la vez, expandirse y ser capaz de llegar a un gran número de lectores fuera de su país natal. Lectores que no estaban acostumbrados ni estaban familiarizados con la literatura tradicional china. 

Sorgo rojo relata la angustia, el dolor y el sufrimiento en la región de Gaomi Noroeste, asolada por la invasión de las tropas japonesas, siendo el lugar en el que se desarrolla la acción. Esta novela es narrada por un narrador en primera persona, que hace a la vez de narrador testimonial o personaje. Pareciendo que es el propio autor quien está relatando los acontecimientos que vivieron sus antepasados en esta época de guerra. Esto se debe a las técnicas especializada sobre la novela que ha desarrollado Mo Yan en su carrera como escritor. La obra está dividida en cinco partes: «Sorgo rojo», «Vino de sorgo», «Conducta de perros», «Funeral en el sorgo» y «Muerte extraña», en las cuales se desarrollan las distintas escenas que protagonizan la familia del clan del sorgo rojo. El tiempo en esta obra no es lineal, sino que va saltando de un acontecimiento a otro, entre personajes y ambientes. Dándole una mayor profundidad, muy cercano a la realidad, puesto que está escrito en forma de crónica. En un principio, dichas partes fueron creadas en forma de series, y no fue hasta el año 1988 que se juntó en un solo volumen, con el nombre de Sorgo rojo. Las primeras dos series fueron lo que inspiró al cineasta Zhang Yimou para crear la adaptación que posteriormente ganaría en el Festival de Cine de Berlín un Oso de oro.

El argumento gira en torno al casamiento de la abuela paterna del narrador, la bella Dai Fanglian, con el hijo del leproso de Shan Tingxiu. Este es poseedor de una gran destilería y es dueño de múltiples animales y hectáreas de tierra sembradas de sorgo. Narra cómo su abuela fue porteada por Yu Zhan´ao, el abuelo del narrador, y cómo se enamoraron en el trayecto hacia su boda. Posteriormente, y siguiendo la tradición, la abuela regresa a casa de sus padres, donde les comunica su terrible situación. Pero el bisabuelo materno no hace oídos de sus súplicas (hecho que posteriormente le traería la ruina), descuidando a la abuela entre el sorgo, quien es asaltada por el joven comandante Yu. Por aquel entonces, no era más que un bandolero y un hombre violentos que desafía a las leyes (en esta época se prohibieron los juegos de cartas, los bandoleros, y la venta y el consumo de opio), siendo un personaje que solo ve por su bienestar. Yaciendo juntos entre el sorgo, sellan sus destinos de cara a los futuros acontecimientos de la novela.

El futuro comandante Yu, siguiendo su instinto amoroso hacia Dai, asesina al esposo de ésta y a Shan Tingxiu, su padre. Dejando todos sus bienes a la viuda, que, en aquel momento, se había quedado embarazada del padre del protagonista, Douguan. A partir de aquí los hechos se acontecen de forma fragmentada, dejando en primer plano la muerte del tío Arhat, a mano de los japoneses, la ardua batalla contra estos en la emboscada a un convoy japonés en la carretera de Jiao Ping, y la posterior muerte de la abuela tras la traición de uno de los jefes de la resistencia ciudadana que pueblan la zona.

A partir de aquí, se nos describe una guerra cruenta y desigual, donde los cadáveres humanos se amontonan y son comidos por los perros, los supervivientes se comportan como animales sin alma, donde la traición, las luchas y la deshumanización se vuelven el ambiente constante de la obra. Se nos narra las múltiples mujeres que pueblan el panteón familiar, junto con sus muertes. La abuela tercera, una anciana que caído del abuelo y del padre tras la emboscada, la violación y trágica muerte de la abuela segunda a manos de los japoneses y el asesinato de la tía paterna a la edad de cuatro años en Grieta Salada. También aparecen las historias de cómo se conocieron el padre y la madre del narrador, y la trágica muerte en el pozo del tío materno por falta de alimento. Toda una crónica familiar que es escrita por su narrador para acercarse a esta parte de la historia, buscando una manera de conectar con sus raíces y con lo que un día fue el pueblo de Gaomi Noroeste que habitaron sus padres y abuelos.  

El estilo de Sorgo rojo se caracteriza por tener un amplio abanico de detalles, de metáforas, repeticiones que traen a primer plano elementos típicamente rurales y muy tradicionales dentro de la cultura china. Además de su brevedad y realismo, sobre todo, en descripciones y diálogos. Pudiendo apreciar características propias del cuento popular, que se mezclan con el mito y la leyenda, propias de la guerra que acontece en la obra. Podríamos incluso decir que roza el realismo mágico en algunas ocasiones, como en la muerte de la abuela segunda –la cual estaba poseída por un demonio tras su muerte, y anteriormente a eso, por el espíritu de una comadreja –, o también, el testimonio del viejo Geng quien sufrió catorce puñaladas y sobrevivió porque un zorro místico le sanó las heridas con la lengua. Todo ello nos hace apreciar la obra como un conjunto de voces y experiencias, casi ecos de un pasado, de cuyo dolor aún emana por entre los poros de la tierra en la que habitaron. Su complejidad se encuentra, precisamente, en el uso tan inteligente que hace Mo Yan de todos estos elementos.

Nos acercamos al relato de una historia familiar tan trágica como heroica. Cuya trama se ve opacada por el protagonismo del sorgo, elemento que manda y dirige la vida de sus habitantes. Es comparado este elemento constantemente con la sangre y los cuerpos de las poblaciones locales que lo cultivan, al mismo tiempo, es un elemento metafórico que utiliza Mo Yan para escribir sobre los orígenes, los ancestros y las vidas pasadas.  Vemos la importancia del sorgo, tanto en su cultivo, como en su forma de producción en vino. Seña de identidad de la destilería, que representa a los abuelos y a las raíces del narrador.



Finalmente, en el año 1987, se crea una adaptación cinematográfica de la novela, centrada casi en su totalidad, en las dos primeras partes de la obra. Fue realizada por el director Zhang Yìmóu y participó en el Festival internacional de cine de Berlín del año 1988. Fue galardonada con el premio Oso de oro que catapultó la carrera de su cineasta y el de su personaje femenina principal, Gong Li. Al ser un éxito internacional, hizo que las novelas de Mo Yan, en concreto Sorgo rojo, se viralizaran en este ámbito. Puesto que «ni la obra cinematográfica de Zhang Yimou se entiende sin el papel que en ella juega la literatura, ni la literatura china sería lo mismo sin el directo puesto que el éxito internacional que han alcanzado sus películas ha dado a conocer y ha puesto en valor los originales literarios en las que estaban basadas.»[2]

Sorgo rojo desprende un aura de ironía muy oscura sobre los acontecimientos que narra. Llevando al límite, a ojos de sus personajes, la utilización del humor en algunas ocasiones. Ironías, dobles sentidos, metáforas, tienen como punto de unión la intencionalidad de Mo Yan de trasgredir los límites del propio género al que pertenece la novela. En Sorgo rojo introduce una nueva corriente literaria, denominada, neo-historicismo. Que se caracteriza por ensalzar la historia de personajes reales –marginales en su mayoría– que representan los problemas a los que se enfrentan en sus vidas triviales y cotidianas. Esta cotidianidad, en Sorgo rojo, se verá truncada por las miserias y la angustia de la guerra. Trayendo a primer plano, una de las características más importantes con la que cuenta la obra. Puesto que, al prescindir del desarrollo de una perspectiva política, Mo Yan, narra desde el mismo centro de los sucesos históricos. Alejándose, por tanto, de la tradicional concepción del héroe que aparecen en las narraciones revolucionarias del momento.


En resumen, el autor pretende abrir un nuevo capítulo dentro de la memoria histórica en su país. Refrescando los acontecimientos de su historia más reciente, en parte, para despertar pasiones y emociones más genuinas en el lector, y por otra, es un intento de homenajear a los héroes anónimos del pasado. Recordando, de esta forma, los nombre y lugares que –a ojos de la historia– han sido olvidados, pero que perduran en la sangre y en la memoria de sus descendientes. Así es que cada personaje, ya sea planta, hombre, niño, mujer o animal, representa –a modo de símbolo– los rasgos más fundamentales de la cultura china. De esta manera, el color rojo que aparece continuamente nombrado a lo largo de la novela, representa la conciencia colectiva del pueblo chino, al mismo tiempo, –al igual que con la planta de sorgo– simboliza el dolor, la muerte y la rebeldía.

«Desde el terraplén la vista sur era una extensión interminable de sorgo, absolutamente nivelada, tensa y quieta, un mar de rostros color rojo profundo, maduro. Era un cuerpo colectivo, unido en un único pensamiento magnánimo. Mi padre era entonces demasiado joven para descubrir lo que estaba viendo en términos tan floridos: esto es mi aporte. El sorgo y los hombres esperaban que la flor del tiempo diera su fruto.»[3]

 

[1] Articulo en acceso abierto en: https://www.nobelprize.org/prizes/literature/2012/yan/25459-mo-yan-discurso-nobel/

[2] Labaila Sancho, A. (2012). Mo Yan y Zhang Yimou, una poética compartida: la adaptación cinematográfica de Sorgo rojo (1987). Artigrama, núm. 27, pp. 573-588.

[3] Yan, Mo. (1992). Sorgo rojo. España, Barcelona: El Aleph Ediciones. Pág.45.



Bibliografía:

-        Yan, Mo. (1992). Sorgo rojo. España, Barcelona: El Aleph Ediciones.

-        Artículo Mo Yan, Discurso Nobel de Literatura 2012. En acceso abierto en: https://www.nobelprize.org/prizes/literature/2012/yan/25459-mo-yan-discurso-nobel/

-        Zariquiegui Segura, A., Zhuo Yan, T. (2007). El movimiento Xungen: El tema de la muerte en Sorgo rojo de Mo Yan. Revista de estudios filológicos, núm. 32, pp. 1-20.

-        Labaila Sancho, A. (2012). Mo Yan y Zhang Yimou, una poética compartida: la adaptación cinematográfica de Sorgo rojo (1987). Artigrama, núm. 27, pp. 573-588. 

miércoles, 16 de junio de 2021

RESEÑA: "EL COLOR PÚRPURA" DE ALICE WALKER.

 ¡Feliz miércoles a todos! Espero que estéis teniendo un gran día 🌻📚❤

💫 ¿Qué os gusta más? ¿Leer primero el libro o ver primero la adaptación? 💫

Hoy os traigo la reseña de un libro que me dejó ayer el corazón calentito (pero dolorido) y alguna que otra lágrima en el rostro: 



〰️ 🌌 "El color púrpura" de Alice Walker 🌌 〰️

Esta novela está inspirada en el Sur de Estados Unidos, durante la primera mitad del siglo XX, y nos cuenta la trágica historia de dos hermanas afroamericanos: Nettie y Celie. La primera ejercerá como misionera en África, mientras que Celie, se queda atrapada en un matrimonio lleno de violencia y odio. 

La historia transcurre a lo largo de los treinta años que ambas hermanas se encuentran separadas. Narrada en forma epistolar, nos acercamos a un mundo íntimo poblado por los pensamientos de sus protagonistas. Dónde se verán reflejados el dolor, la pérdida, el abandono, el descubrimiento de una feminidad aplastada, y la injusticias de un mundo que somete y oprime por el color de piel. 

Es una lectura dura. Dónde se habla de abusos sexuales, palizas, y toda clase de violencia sobre la mujer. Explica a la perfección la doble opresión a la que se ven sometidas las mujeres negras y su lucha constante contra estas. 

Si tuviera que resumir esta obra en una sola palabra sería: SORORIDAD. Las figuras femeninas, aunque enfrentadas por el hombre y la sociedad, encuentran la manera de ayudarse, consolarse y de darse fuerzas entre ellas. Todo por la necesidad imperante de sobrevivir al mundo que las rodea.

Mentiría si os dijera que sabía a lo que me enfrentaba cuando comencé a leer este libro. He aprendido, he llorado, he reído y me he emocionado muchísimo. Es una lectura, que sin duda, te abrirá los ojos en más de un sentido. Porque es tan real como la vida misma 💜

5🌟/5🌟

💫 ¿Habéis leído la novela? ¿Conocéis a la autora? ¿Habéis leído algún libro más sobre esta temática? 💫

miércoles, 9 de junio de 2021

ENSAYO: CRÍTICA A LA MODERNIDAD CAPITALISTA. LA LITERATURA FRENTE AL PROGRESO.

Lectura crítica de «Un artista del hambre» de Franz Kafka desde las perspectivas de Walter Benjamín y Bertolt Brecht.



*NOTA: Todos los Análisis Literarios que reseñare en el blog no están exentos de  spoilers de forma inevitable. Con el fin de entender en profundidad y reflexionar sobre la obra es necesario destripar acciones, personajes y tramas con el fin de llegar a tender la obra de una forma muchos más detenida.* 


El relato corto de Un artista del hambre fue escrito por Franz Kafka en 1928 y fue de los poco manuscritos que el autor no mandó destruir tras su muerte. La creación de este texto se encuentra envuelto por la terrible experiencia de la tuberculosis, enfermedad que impedía al autor consumir alimentos. Experiencia por la cual acabaría escribiendo, poco antes de su fallecimiento, dicho manuscrito. En palabras del propio Kafka, en una carta a Milena Jesenká, definió a su personaje como: «Un hombre condenado a mirar el mundo con una claridad tan cegadora que éste le resulta insoportable y se encaminó hacia la muerte».[1] Un punto de vista contrario, pero influyente al mismo tiempo, al de los intelectuales: Walter Benjamín y Bertolt Brecht. De cuya lectura me he inspirado para la lectura crítica de este relato.

Cómo Walter Benjamín y Bertolt Brecht, Kafka, reflexionó en una etapa más anterior, sobre el papel del artista y del arte en una sociedad guiada por la industria. En este caso, cultural, que se encuentra amparada bajo la protección y el amparo de la familia burguesa tradicional. La cual es, además, participe de las instituciones intelectuales y burocráticas del momento. Ambos intelectuales vieron en las nuevas corrientes, surrealistas y de vanguardia, una forma de hacer frente a esta muerte aburguesada de la literatura. Renovando a través de la creación de nuevas escrituras el impulso que han renovado y enriquecido la literatura actual. Siendo además un motivo de rebeldía y de protesta frente a estas posturas dominadas, en gran medida, por la oferta y la demanda, propia de un sistema capitalista. 

Mientras que Kafka nos habla del aislamiento, caracterizado desde la soledad y la deshumanización por medio de los hombres fetichizados. Trasformados en objetos crueles, e hipócritas, pero, sobre todo, sin criterio. En este relato existen dos mundos contrapuestos, el del artista –el cuál aprende a sacrificarse mediante el ayuno, cómo su faceta artística, reduciéndose a un simple sujeto sufriente por las circunstancias – y el de los espectadores, la masa, que representa a la sociedad, al público, al receptor de dicho arte que procesa. Dicho artista, desde un inicio, no es comprendido ni apreciado, e incluso, se llega a dudar de él. Por lo que es el propio artista el que tiene que demostrar –el personaje canta y habla casi continuamente ante sus guardianes y ante el público– de lo que es capaz, de sus proezas, de su arte.


El artista no tiene la culpa de sufrir el hambre al que es sometido, pero, aun así, lo busca como una manera de reconocimiento frente a la masa. Una masa eclipsada al principio por los dotes del artista, pero, según pasa la moda –concepto profundamente burgués, por no decir, propio de las sociedades capitalistas–, deja de ser un objeto de interés. La masa le retira su valor, su afecto, su atención. Por lo que el artista no le queda más que unirse a un circo, y unir su jaula –su propio microcosmos– al de las fieras y animales salvajes, que se encuentras encerradas allí también. El artista queda relegado fuera del propio sujeto humano, reducido, casi a la mera existencia de una bestia.

Esto es debido a que el arte profesado hacía la masa, no es más que un camino directo al olvido, a la desesperación y a la incomprensión. Un público que no es capaz de apreciar el arte –en este caso el ayuno–, ve más estimulante observar a las fieras que a un ser humano como ellos. Animales sin el don de la palabra, animales sin razón, sólo pura emoción y sentimientos, pero meramente primitivos. Sentimientos que el ayunador ya no es capaz de trasmitir, por lo que no genera ninguna emoción a sus espectadores. Convirtiendo su arte en algo inútil, sin valor.

Cuando el artista del hambre está pasado de moda, no es capaz de renovarse, puesto que ayunar –su único talento artístico y orgullo de artista– es lo único que sabe hacer. Porque nunca antes había hecho otra cosa. Jamás intentó profundizar en otros aspectos artísticos, aunque tampoco podía, puesto que el ayuno es el único camino, la única posibilidad que el artista encuentra aceptable como medio artístico ante las exigencias de la masa. Siendo esto el único que la muchedumbre le aplaude y admira. Un artista sin arte y sin reconocimiento verdadero.


Para este artista lo más importante es su jaula, el lugar al que la muchedumbre se desplaza para verle ayunar, el microcosmos que da sentido a la vida del artista. El acto de ayunar, un mero espectáculo de feria –itinerante y desarraigado–, le impone al artista una forma de vida, una forma de ser visto por la sociedad, de ser reconocido. El artista del hambre se niega a comer porque así se lo exige el honor de su profesión, y para acentuar esto tenemos a los vigilantes. Quienes serán, también, meros espectadores del espectáculo. Siendo el propio artista el que tiene que perseguir la atención de quien le guarda – pudiendo esto ser una metáfora del panorama literario, o incluso, de la crítica–, para demostrar su valía como ayunador. Demostrando que no hace trampas, y así, poder autocalificarse como el mejor ayunador que nadie hubiera contemplado antes.

«Nadie, por tanto, podía saber por experiencia propia si realmente había ayunado sin interrupción y sin falla; sólo el ayunador podía saberlo, ya que él era, al mismo tiempo, un espectador de su hambre completamente satisfecho. Aunque, por otro motivo, tampoco lo estaba nunca.»[2] 

Existe un paralelismo del ayuno con los cuarenta días que Jesús pasó en el desierto. El ayuno está ligado a una tradición histórica, pero ésta tiene un componente puramente clasista: mientras los ricos, desde la Edad Media, podían comprar bulas, los pobres seguían, obedientemente, la creencia religiosa según sus creencias. Hay que tener en cuenta que, aunque la teoría cristiana afirma que será más fácil que un pobre llegue al cielo que un rico, en la práctica eso no se ve así cuando los ricos podían abstenerse de esta manera del ayuno con el dinero y, además, comprar su perdón a través de las ofrendas económicas, ya fueran misas en memoria del muerto o bajo la premisa de la ayuda al prójimo y a la comunidad.

«¿Por qué aquella gente que fingía admirarlo tenía tan poca paciencia con él? Si aún podía seguir ayunando, ¿por qué no querían permitírselo?».[3]



El padre de familia – en referencia a la familia burguesa– enseña el antiguo arte, intentando hacer comprender a sus hijos, símbolo de las generaciones futuras, un arte ya extinto. Dicho arte era realizado por humanos para humanos, con capacidad de evolución, de trasmisión, pero ahora solo comprenden los espectáculos realizados por fieras y animales salvajes. El ayunador ayunaba porque no había encontrado ninguna comida que lo satisficiera, sino, habría comido hasta hartarse como uno el resto, cómo uno más de la masa. El artista como sujeto incomprendido, un ser incapaz de adaptarse al sistema que se le ofrece, por tanto, su única alternativa es la muerte, y con él, también muere su arte.

Este es un punto clave en el relato, puesto que deja entrever una posibilidad pasada, un momento de inflexión que podría haber cambiado su destino. Pero es una posibilidad fallida, debido a su inexistencia. Para luego dar paso a su reemplazo, la bestia en forma de pantera, el papel protagonista que representará a la nueva moda. Al nuevo objeto de interés, siendo, esta vez, ya muerto el artista, un ser privado de cualidades artística y, por ende, de crítica y razón. Dejando tras de sí un duro mensaje: los huesos del artista descansan sobre las zarpas del producto capitalista.

En conclusión, con respecto a las posturas de Walter Benjamín y Bertolt Brecht, esta lectura crítica es una vuelta de tuerca sobre las escrituras y nuevas formas poéticas, las cuales deben servir como un revulsivo para luchar. Una forma de evitar el estancamiento. Una forma de evitar que la clase burguesa, alienante y capitalista –propia de la industria editorial y cultural– acabe ahogando y matando (de hambre) a la literatura, y, por ende, a los artistas de los que se alimentan.



[1] F. Kafka, (2016). Un artista del hambre. España: Casimiro

[2] Ídem. Pág. 7

[3] Ídem. Pág. 9


domingo, 6 de junio de 2021

Descubriendo a "Safo".

 Safo: Poemas y fragmentos.

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Safo es una poetisa griega que nació en Lesbos en torno al año 600 a. C, lugar que tendría un papel fundamental en la elaboración de lo que hoy conocemos como lírica occidental. Esta nueva concepción poética se caracteriza por tener un carácter privado, íntimo y subjetivo. Además, estaba pensada para ser acompañada por instrumentos musicales, con la finalidad de transmitir emociones y sentimientos en un ambiente destinado al banquete o a las festividades, y en ocasiones, también de índole religioso.

La figura de Safo ha estado muy opacada. Debido al halo de misterio y de leyenda que la envuelve, y a la falta de textos fidedignos sobre su persona. Es considerada como una de las mejores poetisas del lirismo lesbiano, pero todo lo que conservamos de su obra nos ha llegado de forma fragmentada, debido a su mala conservación o al paso del tiempo.

La producción poética de Safo se centra en su círculo de amigas: «La casa de las servidoras de las Musas»[1]. En torno a ellas se desarrollará el tema más importante de su producción; el amor. El cual aparecerá dentro de diversas vertientes como es la añoranza, los celos o las despedidas. Este amor sáfico se va a caracterizar por la sensualidad y el erotismo, el deseo y su carácter religioso. Que tiene como cenit la búsqueda de la belleza, un valor totalmente opuesto a los canones tradicionales de la época.

Su aportación al canon se debe, no solo a lo universal del sentimiento amoroso, sino también por su carácter transgresor en sus formas de expresión. Que tuvo como consecuencia una influencia notoria, no solo en el género, sino también en personalidades tan diversas como: Platón, Catulo, Petrarca, Hölderlin, Byron o Rilke. Siendo considerada como la autora cumbre de la lírica mundial.




[1] Safo. (1990). Poemas y fragmentos. (Ed) Hiperión, Madrid (España), 1990. Traducción de Juan Manuel Rodríguez Tobal. Pág. 11.

viernes, 4 de junio de 2021

Reseña: "El peligro de la historia única" de Chimamanda Ngozi Adichie.

 🌻 ¡Buenos días lectores! 🌻

💫¿Cuál es vuestra lectura actual? ¿Soléis leer ensayos o textos críticos? 💫
¡Feliz viernes a todos! Hoy os traigo una pequeña recomendación literaria de cara al fin de semana:


〰️ 🌐 "El peligro de la historia única" de Chimamanda Ngozi Adichie 🌐 〰️

🔸️Esta pequeña charla TED es la más popular de la autora, con miles de reproducciones (si tenéis curiosidad y sabéis inglés podéis encontrarla sin dificultad en plataformas como YouTube) y finalmente llevada al papel en este pequeño librito. En cuyo epílogo nos contamos con la reflexión de Marina Garcés sobre el mismo.

🔸️En él encontramos una llamada al rechazo de los discursos únicos. Los cuales ocupan un espacio dentro del imaginario colectivo, opacando, todo aquello que se encuentre fuera de su centro. Esto crea estereotipos, ideas preconcebidas y malentendidos, de los cuales nos alimentamos constantemente y de forma inconsciente.

🔸️¿Porque la historia única es un peligro? Porque es excluyente. Cualquier discurso es narrado desde el papel del ganador, del superior, del que obtiene la victoria (no sólo en el ámbito de la historia, sino que es aplicable a cualquier ámbito social o humano). Como mujer nigeriana, Chimamanda, pone el foco en la cara oculta de esta historia, el del "otro" o los "vencidos", los "excluidos" o los "olvidados".

🔸️Este discurso es emotivo, directo y muy esclarecedor. Me ha parecido sublime en la forma que tiene de invitarnos a la reflexión sobre otra manera de ver el mundo. Esta vez como un acto consciente que nos enfrenta, cara a cara, con nuestro desconocimiento del mundo.

💫 ¿Habéis leído algo de la autora? ¿Le daríais una oportunidad? 💫